viernes, 25 de mayo de 2018

Giacomo Grosso




Giacomo Grosso (Cambiano 1860 - Turín 1938), uno de los pintores piamonteses más conocidos y queridos en el período comprendido entre los siglos XIX y XX, incluido como uno de "Los maestros de la Academia Albertina". En 1873, gracias a la intervención del pintor A. Gastaldi le permitió obtener una beca del Municipio de Cambiano, se matriculó en la Accademia Albertina de Turín. . En 1882 en la XXIV Exposición de la Sociedad de Fomento de las Bellas Artes hizo su debut en una exposición pública. En 1883 terminó sus estudios ganando el primer premio con La Maddalena a los pies de Jesús crucificado Turin.

 Se fue a Roma, la estancia en la capital duró solo dos meses, pero permitió al artista retratar a muchos personajes del séquito de Saboya. Después de haber visitado Venecia y Florencia, siguiendo el consejo de Gastaldi, se fue a París, una ciudad que luego se convirtió en un destino obligado en sus viajes posteriores por el norte de Europa (en Londres, Bruselas y Holanda). Esta primera estancia parisina puso al pintor en contacto directo con la pintura impresionista y las obras de artistas como J. Bastien-Lepage, L. Alma-Tadema y G. De Nittis, de quienes estudió en particular el uso del pastel. Desde 1887 participó en casi todas las exhibiciones del Promotor de Bellas Artes. En 1889 se convirtió en profesor de dibujo en la Academia Albertina. Invitado a la Trienal de Brera de 1894, tuvo un notable éxito con la compra de un cuadro por la reina. Aunque era ahora un pintor establecido y reclamado por la alta sociedad de Turín, la crítica más actualizada comenzó en estos años a mostrar perplejidad acusándolo de llevar a cabo una pintura fácil, que complacía demasiado al gusto mediocre de su clientela. El momento crucial de su actividad artística fue la participación en la I Exposición Internacional de Arte de la Ciudad de Venecia en 1895, donde ganó el primer premio del público, pero también elevó la crítica de una obra caracterizada por un" virtuosismo vacío de sentimientos, carente de sinceridad .

Entre sus pinturas más famosas se encuentra La Nuda , que se exhibió por primera vez en la Triennale di Torino en 1896 y que generó una nube de controversia , que tuvo el único efecto de aumentar la fama de su autor.

Después de un viaje a América del Sur en 1901,  comenzó una fructífera colaboración con Argentina, donde viajaría varias veces a lo largo de los años, creando una serie de retratos de la rica burguesía local. En 1907 participó en la I Exposición de Arte Italiano en América Latina, organizada en Buenos Aires por F. Stefani; y en 1910, en representación del gobierno argentino, creó un gran panorama festivo de la Batalla de Maipú, para el cual utilizó 150 metros cuadrados de lienzo.
En 1903 fue miembro de la comisión de la V Exposición Internacional de Arte de la Ciudad de Venecia con la tarea de establecer la sala de pintura piamontesa. En el mismo año pintó el retrato de la pareja real  para ser entregado al presidente de la República Francesa. En 1904 fue galardonado con la Legión de Honor.
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jueves, 24 de mayo de 2018

Renato Guttuso


Bagheria, 1912-Roma, 1987
Renato Guttuso fue uno de los pintores italianos de más reconocido prestigio internacional tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Junto a otros artistas comprometidos políticamente, fundó el Fronte Nuovo delle Arti, que pretendía restituir el arte europeo del siglo XX al lugar que le correspondía y que el fascismo le había negado. 
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Mostró interés y aptitudes para el dibujo desde muy joven y a partir 1928 frecuentó el taller del pintor futurista Pippo Rizo. En 1930 se matriculó en la Facultad de Derecho de la Universidad de Palermo, pero abandonó sus estudios cuando dos pinturas suyas fueron expuestas en la Prima Quadriennale d’Arte Nazionale de Roma de 1931 y tuvo la oportunidad de ver obras de artistas contemporáneos. Un año más tarde, la Galleria del Milione de Milán expuso su obra y la de otros artistas sicilianos y poco a poco su estilo derivó hacia la pintura metafísica de Carlo Carrá y Giorgio de Chirico. Durante los primeros años de la década de 1930, Guttuso entró en contacto con numerosos artistas como Mirko, Afro y Fontana. Algo después, cuando ya se había establecido en Roma conoció a los miembros fundadores de la asociación de artistas antifascitas CORRENTE, Giacomo Manzù y Aligi Sassu, con los que expuso en 1939. Su repulsa ante la situación política de Europa se dejó sentir en sus obras, como en Fusilamiento en el campo, 1938 (Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea), dedicada a Federico García Lorca. Guttuso continuaría utilizando el medio pictórico para denunciar y examinar conflictos como el de Corea, Argelia o Vietnam, y su claro posicionamiento político le posibilitó viajar en numerosas ocasiones a países del este de Europa, donde su influencia fue grande. Sin embargo, la obra de Guttuso, en la que pueden verse elementos tomados de Picasso y los expresionistas centroeuropeos, nunca estuvo subordinada a la propaganda. 

Resultado de imagen de Renato Guttuso

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Guttuso, que desde 1943 había formado parte de la resistencia antifascista, volvió a Italia y se convirtió en una figura central en el renacimiento cultural italiano. Paralelamente su reputación creció por todo el mundo en unos años en que realizó numerosos bodegones, escenas monumentales de historia y homenajes a maestros antiguos como Courbet y Durero, o modernos como Van Gogh y Picasso.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

miércoles, 23 de mayo de 2018

Moses Levy



Moses Levy

(Túnez 1885 - Viareggio 1968)







nació en Túnez, hijo de padre británico y  madre italiana. 


Pasó sus primeros años de estudio en una escuela italiana en Túnez luego la familia se trasladó a Italia. En 1900 se matriculó en el Instituto de Arte de Lucca, donde Lorenzo  Viani fue uno de sus compañeros de estudios. Tambien coincidieron en Florencia, en la Academia de Bellas Artes y en la Escuela de Dibujo de Giovanni Fattori.


En 1907 fue invitado a la Bienal de Venecia, a la que llevó una serie de grabados.Durante este período se concentró en el dibujo, y su estilo muestra la influencia de su maestro Fattori. Mientras su familia se establecía en Rigoli, en la provincia de Pisa, Mosés a menudo regresaba a Túnez. Allí pintó temas tomados de la cultura local, aunque nunca olvidó su entrenamiento toscano. En 1911, celebró su primera exposición individual en la Cámara de Comercio de Túnez.


Hasta 1938, participó en casi todas las Bienales de Venecia, realizando numerosos viajes a Europa; también tuvo la oportunidad de exponer su obra en París en 1932. Durante este período, su estilo se apartó de la influencia de Fattori. Lo que dominaba en sus lienzos  un sentimiento mediterráneo: los colores audaces, las vistas, los aromas y los sonidos de las calles del mercado árabe le causaron una fuerte impresión y se revelaron en sus pinturas. Sus buenas raíces judías de clase media se fusionaron con la conciencia del viajero, ambas encontrando expresión en sus paisajes marinos de Viareggio y sus imágenes de las paredes encaladas de las casas en Túnez.

Obligado a abandonar Italia con el advenimiento de las leyes raciales, Levy se mudó a Niza y durante la guerra regresó a Túnez. Después de la guerra, se estableció primero en París y luego en Florencia; finalmente en 1961, se trasladó permanentemente a Viareggio.

lunes, 21 de mayo de 2018

Mafonso




Nacido en Frattaminore (Nápoles) 1948. Durante los años 70, desarrolló un estilo de pintura en el que las influencias artísticas primitivas son reconocibles. Otra rama es evocadora del modelo estético clásico de la pintura de los vasos de la Magna Grecia (Enrico Crispolti)..
 Autodidacta comenzó su actividad artística a principios de los 70, viviendo entre Suiza (Altdorf) e Italia (Roma-Milán). Estos son los años en los que creó una serie de obras donde la recuperación del artefacto artístico es fundamental a través de una pintura de corte instintivista / lírica / primitivista (un ciclo de obras a la manera de los Otros ) según una ideología de la estética posmoderna. Se refiere a Leonardo cuando afirma que Pintar es algo mental y mira a Pablo Picasso, Massimo Campigli, Giorgio De Chirico y Piet Mondrian. Entre 1977 y 1978 en Roma fue uno de los fundadores del grupo Cosa Mentale presentado por Maurizio Fagiolo Dell'Arco. En 1979 se trasladó  a Roma donde asistió a los artistas del llamado Pop-Italiano (Tano Festa, Franco Angeli, Mario Schifano) con quien también estableció una amistad (particularmente con Tano Festa) también una estimulante "comparación" cultural. . Estos son los años de los ciclos: La Goddess Tale , The Great Streets , The Racconti Solari , The Prime Nevi of the after 2000. Desde 1985 está en Caserta donde trabaja en ciclos: Simbad , Krakatoa , Lune di Arqa . En 1988-1989, en París, trabajó en el ciclo de trabajo Make-Make y creó el libro del mismo título para las Ediciones New Art Internationa presentado por el editor en el Centro Pompidou. Siguen los siguientes ciclos: Tribù en Esodo(1992/1993), Contano solo i Cieli (1993/1994), Nevicate Acide (1995), Vanno Tutti Verso il Nulla(1997/1998) y Deserti (1995/2001). 
Ha expuesto  en grandes capitales y ciudades europeas: Roma, Milán, París, Londres, Madrid, Nápoles, Barcelona. 

viernes, 18 de mayo de 2018

BRUNO BRUNI


Bruno Bruni senior (nacido el 22 de noviembre de 1935, en Gradara )  artista gráfico, litógrafo, pintor y escultor italiano. En 1977, ganó el premio internacional Senefeld de litografía.

Nacido en Gradara , en la provincia de Pesaro y Urbino en la costa del Adriático, hijo de un ferroviario, Bruni comenzó a pintar cuando era un niño. Inicialmente fue alumno de [Giuliano Vanghi] ; de 1953 a 1959 asistió al Instituto de Arte de Pesaro .  Luego se mudó a Londres, donde se interesó por el arte pop. En 1960, después de una exhibición de su trabajo en la galería John Whibley de Londres , y después de conocer a una chica de Hamburgo, se mudó allí para vivir con ella y se inscribió en la Hochschule für bildende Künste Hamburg . Ha vivido en esa ciudad desde entonces y visita regularmente su ciudad natal.

En la década de 1970, Bruno Bruni se hizo un nombre como dibujante, litógrafo, pintor y escultor en el mundo del arte internacional. En 1977, ganó el Concurso Internacional Senefeld para litografía . Lo influencian principalmente expresionistas alemanes como Otto Dix, George Grosz etc. y los viejos maestros italianos. 

jueves, 17 de mayo de 2018

Paul Wunderlich



Paul Wunderlich nació en Eberswalde en Mark Brandenburg, Alemania, el 10 de marzo de 1927. De 1947 a 1951 estudió en lo que luego se convirtió en la "Hochschule für Bildende Künste" en Hamburgo en la clase de Willi Titze. Entre sus compañeros  estaban Horst Janssen y Reinhard Drenkhahn. 
En 1950 estudió con Willem Grimms durante un semestre. Después de terminar sus estudios enseñó técnicas de grabado y litografía de 1951 a 1960. 
En 1957, Paul Wunderlich pintó cuadros tachistas, la mayoría de los cuales destruyó más tarde, dejando solo unos pocos. Poco tiempo después produjo sus primeras pinturas figurativas. 
Entre 1961 y 1963 vivió y trabajó en París, donde perfeccionó su técnica de litografía en el taller de la impresora Desjobert. Una propuesta 
como profesor en la "Hochschule der Bildenden Künste" lo llevó de regreso a Hamburgo en 1963. 

La segunda mitad de la década de 1960 estuvo marcada por experimentos con diversas técnicas. S
e inspiró en modelos fotográficos, pintados con aerógrafo y plantillas.Comenzó a trabajar en esculturas y perfeccionó su técnica de gouache, que se convirtió en muy importante para el trabajo creativo de Paul Wunderlich en adelante. 
Solía trabajar en imprentas en el extranjero. En 1968, el artista renunció a su puesto como profesor en la "Hochschule für Bildende Künste" en Hamburgo. Durante la década de 1970 estudió a Durero, Ingres y Manet y produjo una serie de "paráfrasis de Durero", en las que alienó los motivos de Durero de forma surrealista. 
Durante la década de 1980  se centró en las esculturas. En 1994-95 varios museos japoneses en Tokio, Osaka, Hakkeido y Gifu mostraron una retrospectiva de su trabajo. 
El artista murió en Francia en 2010. Es considerado como el exponente más importante del "realismo fantástico".

martes, 15 de mayo de 2018

Eugeniusz Zak



(1884-1926)
 

Eugeniusz Żak nació en una familia de judíos polacos. De niño se mudó a Varsovia, donde se graduó en una escuela secundaria. En 1902, se fue a París para realizar estudios, primero en la École des Beaux-Arts en el estudio del anciano maestro de academicismo Jean-Léon Gerôme, y luego en la Académie Colarossi en el estudio de Albert Besnard. En 1903, viajó a Italia y hacia el final del año a Munich, donde ingresó en una escuela privada dirigida por el esloveno AntonAžbé.


Su fama creció rápidamente. El gobierno francés compró una de sus pinturas para el Museo de Luxemburgo (1910), organizó una exposición individual en Galerie Druet (1911) y se relacionó con importantes personalidades de la vida cultural parisina, incluidos los críticos Adolf Basler y André. Salmón. En 1912 se convirtió en profesor en la Académie La Palette. En 1913 se casó con la pintora  Jadwiga Kon, que dirigió la conocida Galerie Zak después de su muerte. Entre 1914 y 1916 permaneció en el sur de Francia (Niza, San Pablo de Vence y Vence), y también visitó Lausana en Suiza.


En 1916 regresó con su familia a Polonia, instalándose en la ciudad natal de su esposa, Częstochowa. Se asoció con los Formists. En sus frecuentes visitas a Varsovia, colaboró ​​con los futuros miembros de Rhythm, un grupo que cofundó en 1921. En 1922 abandonó Polonia para siempre. Primero, fue a Alemania, donde ya había sido conocido y estimado antes de la Primera Guerra Mundial. Visitó Berlín y luego Bonn, donde llevó a cabo un encargo para decorar el interior de la villa del arquitecto Fritz August Breuhaus. Colaboró ​​con la publicación periódica Deutsche Kunst und Dekoration, publicando artículos sobre ciertos artistas que estaban cerca de él. En 1923 se instaló una vez más en París, donde se unió a sus amigos Zygmunt Menkes y Marc Chagall. Murió de un ataque al corazón. No vivió para hacerse cargo de la facultad de pintura, que le había sido ofrecida por la Academia de Bellas Artes de Colonia, Alemania.

lunes, 14 de mayo de 2018

Fritz Fröhlich




Nació en Linz en 1929. Estudió en la Academia de Artes Gráficas de Viena.  En 1937 participa en la exposición  "Arte Contemporáneo austríaco" (Recibió el premio del estado austríaco en 1937 y 1938.)  En 1938 destruyó su estudio, quemándose casi todas sus obras, documentos y objetos personales
En 1941, despues de casarse es reclutado y permanece al servicio del ejército hasta el final de la guerra. En la década de 1950, el examen del trabajo de Pablo Picasso resultó ser un punto de contacto particularmente personal y artístico con el modernismo. Fritz Fröhlich descubrió el cubismo analítico, que combinó con la figuración y la narración.


La importancia de Fritz Fröhlich para el arte austríaco  del siglo XX se basa esencialmente en el carácter de su obra: en definitiva, todas las condiciones artísticas esenciales del siglo XX son evidentes en su obra.
Determinado por sus estudios en la Academia en Viena en la década de 1930, combinó las tendencias de la Nueva Objetividad con las características de un estilo  autóctono .

El período posterior a la Segunda Guerra Mundial se caracterizó por la superación gradual de las consecuencias de la política de propaganda y supresión de la información nacionalsocialista, así como el intento de una joven generación de artistas de orientarse internacionalmente. La influencia formativa de Picasso representa el descubrimiento para Fröhlich de la era moderna y la posibilidad de transformar sus ideas del arte en un estilo personal, característico a través de la continuación de las tradiciones cubistas.

Con este concepto, Fröhlich poseía una posición independiente dentro del arte contemporáneo austríaco.Para él, el arte era un espejo que él sostenía para sí mismo y para la sociedad con dedos amonestadores y ojos risueños. Nada sucedía por accidente. Todo tenía significado, pero no de importancia incondicional.
Fritz Fröhlich recibió numerosos premios y distinciones; incluido el Premio Alfred Kubin .

viernes, 4 de mayo de 2018

Michael Taylor

Michael Taylor  es un pintor británico nacido  en Sussex en 1952. Estudió en la Worthing School of Art  y en  la Goldsmiths School of Art. Ha recibido numerosos premios por sus pinturas, entre ellas el Premio de Retrato de la Galería Nacional de Retratos, el Premio de Retrato Contemporáneo de Holburne y el Premio Cambio de Rostros de la Sociedad Real de Pintores de Retrato. Ha llevado a cabo una serie de importantes encargos de retratos, incluida la Cámara de los Lores, para pintar el retrato del último Lord Canciller, Lord Falconer. Recientemente, el director de Hollywood Wes Anderson le encargó que pintara un retrato "renacentista" de Boy with apple para su película The Grand Budapest Hotel. La autoría de la pintura se mantuvo en secreto hasta el estreno de la película y, posteriormente, generó un gran interés de la prensa por el artista.
Cuatro de las obras de Taylor se encuentran en la National Portrait Gallery de Londres: retratos del músico Julian Bream, del compositor Sir John Tavener, del escritor PD James y un autorretrato a lápiz. Ha sido representado por Waterhouse & Dodd durante diez años, y ha organizado dos exposiciones individuales completas y exposiciones en numerosas ferias de arte internacionales. 


miércoles, 2 de mayo de 2018

MANUEL RODRIGUEZ LOZANO


México
1890 - 1971

Nació en México, sobre su fecha de nacimiento existen diversas controversias que continúan siendo motivo de investigación (ca. 1890-91-1971). Durante la primera mitad del siglo XX realizó un viaje a Europa y conoció la obra de Matisse, Braque y Picasso; en 1921 regresó a México. Ese mismo año se desempeñó como maestro de Diseño en la Escuela de Pintura al Aire Libre, Abraham Ángel y Julio Castellanos fueron sus alumnos más destacados. En 1932 trabajó en la serie de La muerte de Santa Ana, este conjunto de obras remite a los exvotos religiosos. En 1940 ocupó el cargo de rector en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Dos años más tarde concibió su obra Piedad en el desierto inspirada en La Pietá del maestro renacentista Miguel Ángel. En 1968 se realizó una muestra retrospectiva de su obra. 
Su vida plástica se puede percibir en dos etapas, la “época monumental” que corre de 1935-1939, en la cual muestra el poder expresivo del desnudo, utilizando una paleta de colores donde predomina el verde, el azul y el sepia. Y la “época blanca” que va de 1941 a 1958, donde predomina el gesto doloroso, ambientes inhóspitos y los fondos obscuros que crean la sensación de vacío; blanco, gris y azul son los colores predominantes. 

AGUSTIN LAZO




México
1910 - 1971

Pintor, escenógrafo, crítico de arte, ilustrador, diseñador y dramaturgo, Agustín Lazo comenzó su formación artística en la Escuela de Pintura al Aire Libre. En una breve estancia en la Escuela Nacional de Bellas Artes tuvo la oportunidad de tomar clases con Alfredo Ramos Martínez y Saturnino Herrán, de quien después fue asistente. En 1922 realizó un viaje a Europa, donde conoció los postulados del surrealismo de la mano Max Ernst y los postulados de la escuela metafísica realizados por Giorgio de Chirico. En México se hizo adepto al grupo conocido como Los Contemporáneos. Agustín Lazo también es reconocido como escenógrafo y viñetista.
            En su obra predomina una temática de carácter onírico, teñida de la sensibilidad y fuerza de la poesía. En 1982, el Museo Nacional de Arte realizó una exposición homenaje, donde logró reunir una gran cantidad de obra.