jueves, 15 de febrero de 2018

Emil Schumacher



Nacido en Hagen en 1912, el pintor y artista gráfico Emil Schumacher fue uno de esos artistas que decidió un nuevo comienzo después de 1945. Primero, buscando orientación en la década de 1930 en el expresionismo y el estilo figurativo de la Nueva Objetividad, pronto se convirtió en una de las figuras destacadas de no solo la escena artística alemana sino también europea. Siguiendo las tendencias abstractas, que surgieron en Francia y América, su intención era crear pinturas, que superan lo figurativo, que se manifestó en su cofundación del grupo informal de artistas "junger westen 1947".

En los intensos estudios sobre el valor intrínseco del color y su efecto psicológico, Schumacher desarrolló en los años 50 una forma especial de pintura informal, cercana a la "imagen material". Creó obras, que surgieron solo de color, sin ningún marco constructivo, con la ayuda de relieves de color densamente depositados y marcas de pincel agrietado  en el  proceso de la pintura. Con sus colores preferidos marrón-negro y rojo brillante, combinado con un lenguaje de señas de graffiti y una superficie tangible táctil creó "pinturas de paisajes de cráteres".

En su obra posterior, el sonido sombrío de las pinturas en su mayoría a gran escala ilumina  la firme intención del artista para hacer frente al diseño de la vida es evidente. El desarrollo del movimiento, el flujo de poder para Schumacher también significó una recuperación y un retorno a las obras figurativas, por lo que las referencias gráficas a los motivos figurativos se sumergieron cada vez más, principalmente en la reducción arquetípica, como la escalera, la rueda, el caballo o la figura humana en sus obras.


Sin revocar la pintura no objetiva de décadas anteriores y la validez de la abstracción, el artista encontró sus propias respuestas en el trabajo representacional tardío, llegando así más allá de las posiciones informales. Emil Schumacher murió en octubre de 1999 en su casa en Ibiza.

martes, 13 de febrero de 2018

Valentin Gubarev



El talento artístico de Valentin Gubarev es notablemente original, se ha convertido en el maestro del humor. Sus obras transmiten sus sentimientos e impresiones de la vida cotidiana real,  atrapando sus momentos interesantes con  su visión punzante e irónica.

Cada imagen del artista es una compleja composición de episodios separados estrecha o marginalmente conectados entre sí.  El toque de cuento de hadas o parábola cómica ayuda a  a poner la idea de una imagen en la mente de los espectadores.
 La obra  de V. Gubarev nos cuentan la historia de las personas, su entorno, su forma de vida, donde siempre hay mucha ironía. Volviendo a su infancia, reconstruyéndola en sus pensamientos, el artista recuerda lo ordinario pero dulce en los detalles de su corazón.


 

Nació en 1948 en la ciudad de Gorky . Se graduó en la Escuela de Arte de lGorky  y despues  en la facultad gráfica de Moscú.
En 1975 se mudó a Bielorrusia  dedicándose a ilustrar libros para una editorial. Desde 1991 participa en exposiciones nacionales  e internacionales


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lunes, 12 de febrero de 2018

Filippo de Pisis



En una sociedad de espectáculo como la nuestra, tan escandalosamente vulgar y tan dispuesta a la retórica faraónica y de un glamour de oropel, es un alivio dejarse seducir por el gusto de una burguesía culta, a veces cursi, a veces rancia, pero firmemente elegante. Francia e Italia siempre se han nutrido del buen gusto, como consecuencia de cierto estreñimiento. Filippo de Pisis (Ferrara, 1896-Milán, 1956) pertenece a este mundo de pulidas y complejas formas cuya desaparición se acompaña de suspiros de salón, una profunda angustia personal y una fuerte dosis de nostalgia. Sin embargo De Pisis nos habla de algo más, de algo que le inunda y le lleva irremediablemente hacia una enfermedad psíquica. Nos habla de una tristeza que invade todo, de la fragilidad de las cosas y de nosotros mismos, de lo perecedero y de los signos de la muerte que todo lo impregna. 


De Pisis vive las dos guerras y la explosión de lo que Apollinaire denominó l"esprit nouveau. Sus primeras obras, hechas siendo muy joven, demuestran el impacto del cubismo y del futurismo. Son pequeñas obras vibrantes -cascadas de colores y formas- de energía concentrada o collages imbuidos de una clara visión estética. Poco después, a través de su amistad con Giorgio de Chirico, cae bajo la influencia de la pintura metafísica, con su apego a la tradición y a la historia y con su exploración de las zonas más recónditas del subconsciente y del misterio de la realidad circundante. Es una estética hecha a medida por una burguesía culta, mezclando una tendencia hacia una morbosidad exagerada con una sensibilidad enfermiza. 



Aquí De Pisis se encuentra con sus temas y con sus lenguajes plásticos: el bodegón, el paisaje y el retrato. Sus paisajes constituyen una especie de agenda de viajes -Londres, París, Venecia- pintados al aire libre en trazos anhelantes y nerviosos. Podrían parecer banales, algo amateur, pero son obras obsesivas que terminan por perturbar. Los retratos optan por un estilo más académico que le sirve casi de disfraz para indagar en un mundo semi-oculto u homo-erótico que corresponde a su condición de homosexual. 
Sin embargo son las naturalezas muertas, empapadas de un lirismo a flor de piel, las que más logran penetrar y recoger lo no articulado, ese conjunto de preguntas, miedos, oscuridades que subyacen y sobrevuelan el espíritu después de la II Guerra Mundial. De Pisis opta por colores pasteles matizados en que de golpe afloran intensidades violentas, emociones incontrolables y angustias abrumadoras. La muerte está presente, a veces literalmente representada, a veces meramente sugerida.


 Estoy pensando en tres obras enormemente sugerentes, que expresan su melancolía y tempestades internas. En La liebre (1932) aparecen el animal muerto sobre una mesa, una mancha de sangre, unas gafas abandonadas, y una silla omnipresente y fuera de escala. Es una obra en tonalidades sucias, impregnada de muerte y ausencia. Naturaleza muerta marina (1940) es pura sensación, una huida hacia la abstracción, mínimamente anclada en la realidad a través de la pequeña figura de un hombre que camina en la playa. Y Naturaleza muerta con higos (1941) es como un estremecimiento de algo inminente: la fruta caída, esparcida en el suelo. Suculenta como la muerte o como la sangre subiendo a la boca.
De Pisis, quizá, ni siquiera es pintor sino un poeta que pinta frente a un exceso de sensaciones turbulentas. En los últimos años de su vida pinta flores, marchitas, efímeras, que repiten una y otra vez su fascinación lírica y sofisticada por la muerte, su autodestrucción voluntaria. No nos cuesta detectar las voces de Ungaretti o de Montale. Pero hay una diferencia fundamental. Montale logró recuperarse después de la II Guerra Mundial encontrando la fe en los pequeños detalles de la vida, De Pisis, sin embargo, se refugia en las tinieblas de su aguda sensibilidad, perdiéndose en sus sombras, abrazando la espiral sin retorno de su propia enfermedad. 



El Cultural

sábado, 10 de febrero de 2018

J.H. Moesman


Utrecht, 1909 - Houten,  1988 

JH Moesman (1909-1988)  conocido como "el único  surrealista holandés". Tuvo un trabajo estable en los ferrocarriles holandeses en Utrecht durante más de cuarenta años e hizo   casi el mismo número de pinturas. Surgió en el curso de los años 30, cuando su obra fue eliminada, por presunta inmoralidad, de 2 exposiciones en Amsterdam. 

Resultado de imagen de joop moesmanProhibido nuevamente después de la guerra, aún así fue  una celebridad casi legendaria durante su vida. Esto se debió más a su actitud contraria y anarquista de la vida cotidiana, que dio forma convincentemente a su interpretación del surrealismo, que a su trabajo.Resultado de imagen de joop moesman

Joop Moesman  ferroviario, pintor surrealista, polémico, diseñador y fotógrafo aficionado. Autodidacta, encontró en la tienda del surrealista Willem Wagenaar una revista francesa donde vio imágenes de pintores surrealistas. Se interesó y comenzó a trabajar en un estilo similar. Se convirtió en el pintor surrealista más importante de los Países Bajos. El trabajo de Moesman fue reconocido internacionalmente  en la década de 1960 a través de los esfuerzos de Her de Vries, quien mostró sus obras al líder de los surrealistas en París, André Breton. Breton decidió mostrar el trabajo de Moesman en la exposición internacional surrealista en Milán. Junto con Dirkje Kuik y Henc van Maarseveen, Moesman fundó  la Sociedad de Arte de Utrecht.

viernes, 9 de febrero de 2018

Donald Sultan



El pintor Donald Sultan, nacido en Asheville, Carolina del Norte, en 1951,  es conocido por sus brillantes pinturas gráficas de amapolas, limones y tulipanes. Estas pinturas lo convirtieron en una  estrella del arte  a fines de la década de 1970 en Nueva York, con exposiciones  en Artists Space, Mary Boone y la Whitney Biennial, todo en tres años.
Si bien el trabajo a gran escala y de color pop era una tarjeta de visita inicial, también estaba trabajando en una serie más oscura  "The Disaster Paintings", realizada entre 1984 y 1990,  una serie enorme y visceral que se hace eco de los grandiosos campos germánicos oscuros de Anselm Keifer y las crueles pinturas explosivas de Jack Goldstein:  grandes obras, materiales industriales y representaciones que el artista ha llamado "la muerte de la arquitectura, la impermanencia de todo".

Nacido en una familia artística, Sultan compartió originalmente el interés de su madre por el teatro. Aprendió cómo crear escenarios teatrales y también cómo pintarlos mientras actuaba. Sin embargo, decidió dedicarse al arte. Después de pasar sus años de escuela secundaria en la Academia Wilbraham en Massachusetts, Sultan se matriculó en la Universidad de Carolina del Norte. Dos años más tarde, completó su MFA de la Escuela de Art Institute of Chicago. El artista recibió dos doctorados honorarios: en 2000, de la Corcoran School of Art, Washington D.C., y en 2002, de la Academia de Arte de Nueva York. Se mudó a Nueva York en 1975.


El artista fue uno de los primeros en utilizar  materiales industriales como el alquitrán, el enlucido de yeso y el azulejo de vinilo en sus creaciones. "Cualquier cosa puede usarse como material para hacer arte".  


 Sus composiciones a gran escala (piezas de frutas, flores, dominós y otros objetos) se contraponen  contra el inquietante fondo negro de  alquitrán, de ocho pies cuadrados. Es mas conocido por sus limones, flores y frutas. Él declara que sus sujetos se desarrollan a partir de trabajos anteriores.  La incorporación de formas geométricas y orgánicas básicas con una pureza formal produce ecos sutiles y monumentales. Sultán describe su trabajo como "estructura pesada, con un significado frágil", con la capacidad de "desconectarte y conectarte al mismo tiempo".

jueves, 8 de febrero de 2018

Graham Sutherland



Graham Sutherland - 1903-1980- nació en Londres. Empezó ingeniería antes de estudiar grabado en Goldsmiths College en Londres. Desde 1928 hasta 1932 enseñó grabado e ilustración de libros. Su verdadero desarrollo como pintor data de mediados de la década de 1930, cuando visitó Pembrokeshire, en el sur de  Gales, donde sufre un profundo cambio de estilo, evolucionando hacia formas paisajistas de carácter simbólico, a la manera de Gauguin: capta la naturaleza en sus perfiles densos y agresivos, inspirándose en las formas de las rocas, los árboles y los cactus.. En "momentos de visión" sintió que las cosas estaban cobrando vida propia, y experimentando una metamorfosis de una forma estática y fija a una indefinida e indeterminada forma. En sus propias palabras, estaba fascinado por el "problema total de las tensiones producidas por el poder del crecimiento".
 Fue nombrado Artista de Guerra  en 1940 y durante la segunda guerra mundial se inspira en las ruinas de los bombardeos de las ciudades para crear un paisaje apocalíptico -fábricas de armamentos, mampostería destrozada, minas subterráneas- que confirman a Sutherland  su instinto por un mundo cruel  y eligió una paleta de colores intensos y fríos para reforzar esta impresión. Después de la guerra, se concentró en imágenes que hicieron esta impresión aún más contundente, en particular el árbol espinoso, un símbolo obsesivo de la crueldad.


 Desde mediados de la década de 1950, pasó al menos la mitad de cada año en Francia, estableciendo cada vez más una reputación como retratista  y como paisajista. Entre los personajes célebres que retrató hay que contar a S. Maugham, Winston Churchill y lord Reaverbrook. Diseñó el mural "Los orígenes de la tierra" para el Festival de Gran Bretaña de 1950 y el vasto tapiz de Cristo en la gloria instalado en la Catedral de Coventry en 1962. Tuvo un enorme impacto en la siguiente generación de artistas en Inglaterra. Etiquetado como Neo-Romántico, Sutherland no pertenecía a ninguna escuela, pero era considerado un maestro por derecho propio. Su trabajo se mostró en la Bienal de Venecia de 1952 y en la Bienal de Säo Paulo de 1955

miércoles, 7 de febrero de 2018

Pierre Tal-Coat


 Pierre Tal-Coat (1905–1985) 
artista francés considerado como uno de los fundadores del tachismo.


Hijo de un pescador, en la aldea de Clohars-Carnoët, Finistère. Asistió a la escuela primaria y en 1915, durante la Primera Guerra Mundial, su padre murió en combate en el frente de Argonne. Aprendiz de herrero en 1918, comenzó a diseñar y esculpir y fue recompensado con una beca nacional e ingresó a la escuela primaria superior en Quimperlé. Comenzó su vida laboral como secretario de notario en 1923 en Arzano. En 1924, encontró trabajo como decorador en la fábrica de porcelana Keraluc en Quimper, creando personajes y paisajes de la campiña de Bretaña.
Al llegar a París  conoció al pintor Émile Compard. En 1925 y 1926 cumplió su servicio militar en París en los coraceros. Conoció a Auguste Fabre y Henri Bénézit y expuso en su galería bajo el nombre de Tal-Coat, nombre que utilizó toda su vida para evitar la homonimia con el poeta Max Jacob. De vuelta en París en 1930, después de una estancia en su casa en Bretaña de 1927 a 1929, se mezcló con personajes tan notables como Francis Gruber, André Marchand, Gertrude Stein, Francis Picabia, Ernest Hemingway, Giacometti, Balthus, Artaud, Tzara y Paul-Émile. Víctor. Desde 1932 fue miembro de las "Forces Nouvelles". En 1936, protestó contra la Guerra Civil Española con su serie "Masacres".

 Fue reclutado para el ejército en 1939 en Saint-Germain-en-Laye y más tarde en Ermenonville y se desmovilizó en 1940 en Montauban. Instalado en Aix-en-Provence, que se había convertido en el refugio de muchos artistas, incluidos André Marchand, Charles Albert Cingria y Cendrars, participó en la exposición "Veinte jóvenes pintores de la tradición francesa" organizada por Jean Bazaine en 1941,  posteriormente expuesto en la Galerie de France en 1943. Al volver a París en 1945, participó en la primera exposición del Salon de Mai. Regresó al año siguiente a Aix, donde se alojó en el Chateau Noir, donde Cézanne se alojó pintando en Tholonet y conoció a André Masson, el filósofo Henri Maldiney y el poeta André du Bouchet, que se hicieron sus amigos íntimos. Sus pinturas ahora se habían vuelto no figurativas.
 Junto con los artistas de la nueva Escuela de París, la Galerie de France (de 1943 a 1965), la Galerie Maeght (de 1954 a 1974), Benador (de 1970 a 1980), la galería HM, la galería Clivage y el Berthet La galería -Aittouarès exhibieron regularmente sus pinturas. En 1956, seis de sus pinturas se exhibieron en la Bienal de Venecia con las de Jacques Villon y Bernard Buffet. En 1963 colaboró junto a Joan Miró y Ubac en la creación de la fundación Maeght. Diseñó un mosaico de pared para la entrada en 1968 y recibió el Grand Prix National des Arts. Una gran exposición retrospectiva dedicada a su trabajo, se celebró en el Grand Palais de París en 1976.

martes, 6 de febrero de 2018

Raoul UBAC



(1910 - 1985)

 Fotógrafo, pintor, grabador y escultor. Saltó a la fama después de la Segunda Guerra Mundial, al principio bajo el seudónimo de Raoul Michelet. En 1929, cuando su familia alemana se estableció en Bélgica, encontró y leyó el Manifiesto del Surrealismo. En 1930, cuando llegó a París, se puso en contacto con los miembros del grupo y con la pintora Camille Bryen, con quien publicó una colección de poemas en 1934, acompañada de fotografías. 
 
 Continuó su formación en arte en la escuela de artes aplicadas en Colonia, donde durante un año estudió dibujo y fotografía. A su regreso a París, conoció a Hans Bellmer, Victor Brauner y Raoul Hasmann. Sus primeras fotografías fueron publicadas en 1937 en la revista Minotaure. Durante la Segunda Guerra Mundial Ubac se exilió en Carcasona, donde conoció a Magritte. Después de la guerra, vivió parcialmente en París y parcialmente en Bruselas; conoció al poeta Andre Frénau, los dos trabajaron intensamente juntos en su arte. En 1947, Ubac volvió a la pintura, en emulsión, haciendo uso de los huevos y evitando trabajar con óleo.  
 
Aimé Maeght lo presentó por primera vez cuatro años después. Raoul Ubac exploró el proceso en el cual el espíritu y la visión chocaban constantemente con la realidad, explicando en 1942: "Simultáneamente con la conquista del mundo, la conquista del espacio continúa. El hombre impregna el espacio de las zonas que están más o menos expandidas según el grado de penetración de su conciencia. Es posible, y creo que es una hipótesis que es en sí misma impredecible, que existe la posibilidad de recrear el espacio tal como es posible por nuestro deseo de crear una imagen del mundo que lo reemplaza ". 
 
 En la pintura de los años cincuenta muestra una arquitectura antropomórfica, como un esqueleto de figuración que articula con el trasfondo de la obra a través de efectos de transparencia y superposición. El último estado del objeto pintado en el lienzo que exhibe es la transformación del motivo, antes de que cambie a la representación formal más simple. Pero Raoul Ubac también está interesado en minerales. En la década de 1960 dirigió sus atenciones y esfuerzos a la pizarra, que también integró en la pintura, a la que le dio una forma más, incidiendo una serie de signos con un clavo, para que compongan relieves animados, ondas efímeras que inicialmente hizo en  arena

lunes, 5 de febrero de 2018

Bram van Velde

  

 
On Waiting - Bram van Velde from Pat van Boeckel on Vimeo.


Cuando Samuel Beckett y el pintor  Bram Van Velde se conocieron en París en la década de 1930, ambos vivían en una extrema pobreza y ninguno de ellos podría haber anticipado que, despues de la Segunda Guerra Mundial y la brutal ocupación de Francia por los Nazis, ambos se convertirían  en figuras importantes en sus respectivos medios:  Beckett ganando el Premio Nobel de literatura y Van Velde exponiendo su obra por todo el mundo.

El holandés Bram van Velde (1895-1981) El primer desengaño del pintor holandés se produce cuando, siendo niño, su padre lo abandona, dejándolo en una indigencia espantosa.

Su obra, calificada de “abstracción lírica”, constituye una de las referencias del arte europeo posterior a la II Guerra Mundial.


 Su pintura original  estaba rodeada por los procesos neoprimitivistas y expresionistas de NKVM y Blue Rider. En los primeros comienzos figurativos de la década de 1920, propuso empresas simplificadas, particularmente figuras humanas que son vistas a través del prisma de la escultura africana y la yuxtaposición de secciones construidas de color puro separadas por una rejilla blanca, a veces rodeadas de negro.


 Entre 1936 y 1941, después de una estancia de cuatro años en Mallorca y un regreso a París, la figura había desaparecido o estaba oculta.


 En 1938 conoció a Samuel Beckett, quien cuatro años más tarde lo ayudó en los terribles años de la guerra. Entre 1941 y 1945, Bram van Velde no pintó y vivió en la indigencia.  Cuando la miseria apabullante había llegado al límite extremo de lo que un artista puede soportar  Samuel Beckett, cuyo primer ensayo en francés después de la II Guerra Mundial -incluido en su libro Disjecta- estuvo dedicado a la pintura de Van Velde.


  Considerado por sus amigos Samuel Beckett, Jacques Putman, Georges Duthuit como el pintor de la desesperación, Bram Van Velde trata de reproducir el movimiento inestable del mundo, la angustia de la condición humana, la atomización del tiempo y del espacio, la disolution de la conciencia.


Pierre Loeb lo presentó en 1945, y Aimé Maeght expuso sus obras desde 1947 en adelante. Su colaboración comenzó con un contrato de cinco años que permitió al artista recuperarse después de la destrucción de la guerra.  


Bram van Velde representa al artista que persigue una verdad, que entiende la pintura como una necesidad interior. Tras Bram van Velde hay un itinerario de dolor, una experiencia vital dramática que da sentido a su arte. La pintura es entonces una suerte de salvavidas, terapia, autodescubrimiento o iluminación. Pero también es el resultado de un desprenderse del mundo, de una situación límite que, como en todo proceso iniciático, hace posible la luz, la vida nueva. La pintura es duda, dificultad, inseguridad, extrema fragilidad, límite…